Palavras ao vento

Palavras nunca estiveram tão ao vento

Hoje elas são quase perniciosas viciosas apequenadas hashtags

Não confinadas a livros preferem a transitoriedade dos dispositivos

Nem sequer rimam em decassílabos agora soltas de formalidades

Sem eira nem beira palavras jorram a revelia de Shakespeare

Sem Machado de Assis sem o paradigmático James Joyce

Hoje elas são jornalísticas secas anêmicas raquíticas

Consumidores de fotos desdenham textos por não lhes apetecer semântica

E o mercado dominante pressiona deforma cria um novo léxico da pior estirpe

Tanto que palavras ao vento se tornou palavrão não mais metáfora poética

E o vento continua a carregar palavras vazias órfãs de densidade borgiana

Como reconhecer os períodos das artes na estética dos pianos

Conhecer os meandros da história das artes é um dos passatempos que você pode cultivar num dia chuvoso, mais ainda, saber como reconhecer a época de um piano só pelo jeitão é um prazer que pode ser degustado quando alguém, por exemplo, visita um museu de instrumentos musicais antigos como o Kunsthistorisches Museum (Museu de História da Arte) de Viena e consegue "ler" neles as imbricações históricas. Pena que em 2008 eu não sabia o que sei hoje...

Rococo (século XVIII)

luxurious magazine

O espartanismo exibido pelos primitivos pianos cedeu lugar a refinamentos. Mantendo a tradição da confecção de cravos, os pianos ganharam elaboradas pinturas feitas à mão nas caixas e tampos. Este estilo diferencia-se do próximo período no que tange à leveza, pois tais pianos eram inteiramente confeccionados em madeira.

Mais sobre Rococó

Gótico ou aristocrático (Século XIX)

A. Dolge & Co. Gothic Medieval Upright Piano

Se no princípio os pianos eram finos e delgados como os cravos, posteriormente eles foram se encorpando, na medida em que adentraram aos ricos salões da aristocracia europeia. São pianos facilmente reconhecíveis pelo aspecto pesadão e carregado de ornamentações. O gênero gótico foi consagrado no cinema de horror e no seriado televisivo Família Adams. O pianista Liberace manteve durante sua carreira uma especial predileção por pianos do tipo "Conde Drácula" como este:

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Art Nouveau (1890 a 1910)

Catalogue de la manufacture de pianos Henri Herz (Paris) - 1905

Poucos exemplares neste estilo restaram. Eles são caracterizados pela assimetria, linhas sinuosas e ornamentação já não tão densa quanto o gótico.

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Art Déco (décadas de 20 e 30)

Gaveau, Paris, 1930

É verdadeiramente o estilo mais reconhecível à primeira vista. Consiste no diálogo incessante entre quadratura e curvatura. Os pianos construídos nesse estilo apresentam linhas despojadas, encadeamento ou empilhamento de figuras geométricas retangulares no corpo e preferência pelo acabamento curvo.

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Modernismo (década de 30 em diante)

Modernist Pianos

Os traços modernistas são facilmente reconhecíveis pelas linhas austeras e retas, extremidades finas e redondas e preferência pelos volumes triangulares.

Mais sobre Modernismo

Bauhaus (período inter-guerras)

upright piano - Fenner - BAUHAUS Design

As linhas retas e nuas dominam esse estilo, já que a sua concepção se baseia no conceito de arte funcional ou construtivista. A tendência Bauhaus floresceu no período inter-guerras como uma das derivações do modernismo. O caso do piano da foto é uma coisa engraçada, trata-se realmente de um desenho inspirado nas linhas do movimento Bauhaus, mas o uso de cores primárias é de inspiração das pinturas do pintor holandês Piet Mondrian, um minimalista. Acredite se quiser, esse piano singelo custa 36 mil reais!

Mais sobre Bauhaus

Minimalismo (Década de 90 em diante)

Ambiente – a concert grand of new design without any twirls

Percorremos a turbulenta história do design de pianos desde a riqueza de curvas, circunvoluções e filigranas, para terminarmos no expurgo de todo o supérfluo, só restando as linhas absolutamente necessárias à consecução de um objeto de música. Estamos falando do Minimalismo, uma tendência que estourou na década de 90 e se propaga até hoje.

A marca alemã Sauter, fabricante de pianos premium, nos brinda com um modelo de grand piano concebido no estilo Minimalista.

Mais sobre Minimalismo

Futurismo (daqui para frente)

Mondial 2012 : Le Piano Pleyel & Peugeot Design Lab (vidéos)

Como será o piano do futuro? É isso que cotidianamente se perguntam os designers de pianos, até que, alguns dele têm a extrema felicidade de participar de um projeto de prospecção do futuro. O vídeo no link acima exibe o resultado da cooperação entre a famosa grife francesa de pianos Pleyel e a montadora de veículos Peugeot. Naturalmente, como a essência da empreitada não se concentrou exclusivamente na feitura do instrumento perfeito, não podemos esperar sonoridades ao nível da excelência.

único raio-de-sol

um único raio-de-sol

pode penetrar a alma d'um homem

única chance plena

de sorver a liberdade do-ser-que-está-aí

um único raio-de-sol

a manchar imponderável

fresta e luz

que se sincronizam através do espaço sideral

depois que o sol-se-põe atrás do futuro

me deixo ficar alí contemplando

extático impregnado do brilho

tentando reaver presente que nunca mais voltará

A Santa da Discórdia.

Para sinalizar o acesso ao santuário da Nossa Senhora de Caravaggio na cidade de Farroupilha-RS, foi encomendado e inaugurado em 2008, um monumento que até hoje dá muito pano para manga.

O verdadeiro amor é assunto para os fracos e oprimidos.

[Pablo Picasso - Amizade - Museu Hermitage - São Petersburgo, Rússia]

O verdadeiro amor é...

O Chapéu Cubista de Lady Gaga.

A cantora Pop mais badalada do momento é a genial camaleoa Lady Gaga, que preferiu adotar o estilo do estilo nenhum. Explico, a cantora muda constantemente o looking fazendo releituras de celebridades, movimentos sociais e artísticos, sem nunca repetir ela mesma... se é que existe alguma.

Ao contrário da pecha dos seus detratores que a acusam de copiadora (Copy Cat), creio que Lady Gaga é a maior revolução visual que já vista na arte Pop. Ela tanto pode encarnar momentos de Madonna, quanto de Christina Aguillera, Carol Channing, Hussein Chalayan, Roisin Murphy, Paris Hilton, ou ainda incorporar elementos de Futurismo, Filmes classe B, Steampunk, Cyberpunk, etc. Ou seja, todas estas coisas podem ser geniais individualmente, mas a Gaga é mais genial ainda por fazer colagens de todas elas.

Dada e Gaga.
Desconfio que o próprio codinome “Gaga” seja um trocadilho oportunista com “Dada”, palavra descoberta acidentalmente pelos fundadores do movimento dadaísta Hugo Ball e por Tzara Tristan num dicionário alemão-francês.

O que é bidimensional e tridimensional num desenho segundo Escher.

Desde que o ser humano começou a desenhar, procurou representar na superfície a realidade que ele via no espaço. Na pré-história, os homens primitivos representaram objetos e animais do seu entorno, porém, em vista da dificuldade de expressar as figuras tridimensionais que viam, traçavam os contornos das imagens reais de maneira canhestra e chapada.

Releitura da representação rupestre na arte de Joan Miró - Paesaggio catalano (Il cacciatore), 1923-24.

Tanques de guerra coloridos se travestem pela paz.

No sul de Londres, na rua Mandela Way esquina com a Pages Walk, bairro de Bermondsey, há um velho tanque de guerra soviético T-34-85 abandonado, que paradoxalmente serve como um símbolo da paz.

Trata-se de um velho tanque oriundo da ex-Tcheco-Eslováquia, que foi usado na filmagem do filme Ricardo III (1995), e depois adquirido pelo incorporador imobiliário e apaixonado por objetos militares Russel Gray. Ao longo dos anos, ele tem passado por várias intervenções estéticas cubistas, grafitagem e artes coletivas.

Não só o tanque de sul de Londres, mas outros blindados através do mundo também se travestem como ícones da paz, numa tentativa patética de contraposição à paisagem cinzenta da guerra.

[Geografia para todos]

Não viverei sem ti... posto que és eternidade.

Não viverei sem ti,
porque perpassa a todos os instantes
a eternidade das almas gêmeas,
que não se esboroa em corpos,
nem se amarra ao pó da existência.

Os poetas inventaram amor
os humanos dor, e nós
nos transmutamos na poeira dos mundos
achando-nos aqui e acolá.

Que mundo maravilhoso!

Caminhando contra o vento
Sem lenço e sem documento
No sol de quase dezembro
Eu vou...
O sol se reparte em crimes
Espaçonaves, guerrilhas
Em cardinales bonitas
Eu vou...*

Carro de parque de diversão da cidade fantasma radioativa de Pripyat, Ucânia [Timm Suess].

Móveis ficcionais e a sua influência no mundo real.

A estética da Era Espacial, que foi predominante nas décadas de 60 e70, longe de se esgotar, continua sendo fonte inspiradora para o design moderno.

2001 – Uma Odisséia no Espaço.
O estilo curvilínio e minimalista imperou no design do "futuro" pensado em 1968, quando do lançamento do filme de ficção científica mais emblemático de todos os tempos e as influências da sua estética robusta não puderam ser apagadas até os dias de hoje.

[Almost not There]

Uma estranha sincronicidade surgiu no mundo real com essa escrivaninha desenhada pelo urbanista, escultor e designer polonês Maurice Calka no ano de 1969.

[Pricy-Spicy]

Laranja Mecânica.
Um outro filme, coincidentemente também dirigido por Stanley Kubrick - Laranja Mecânica de 1971 - exibiu uma poderosa estética de cores vibrantes e muito brilho vinílico.

[Material Girls]

Nos dias atuais, encontramos um escritório de uma Agência Digital de Comunicações localizado na cidade de Manchester, UK, certamente tributário à estética laranja mecânica.

Atenção especial para a rampa que se projeta enlouquecidamente da escrivaninha e se precipita para o teto, barbaramente inútil, mas indutora de um efeito visual dominante naquele espaço.

Code Computerlove [Office Snapshots]

Destino: Animação Surrealista de Salvador Dali e Walt Disney.

Em 1946 Walt Disney contratou Salvador Dali para a elaboração de um curta-metragem de animação em cima da música Destino do compositor mexicano Armando Domínguez.

Um elemento que não poderia faltar em Destino, o famosíssimo relógio derretido.

A animação com seis minutos de duração, que combinaria motivos de balé e desenhos, deveria ter integrado um documentário longa-metragem constituído de depoimentos breves sobre Salvador Dali e sua obra. Todavia, o projeto foi interrompido e as centenas de cenas, desenhos e pinturas criadas pessoalmente por Dali ficaram guardados/esquecidos ou mantidos em sigilo.

Os protagonistas do argumento que retrata as peripécias de um amor impossível, provavelmente são o alter ego de Gala, a esposa de Dali e o próprio.

Somente em 2003, Roy Disney (neto) e o produtor Baker Bloodworth deram acabamento final ao curta seguindo os esboços preliminares do artista. Premiada como o melhor Curta-Metragem nos festivais de Melbourne-Austrália e no Rhode Island Internacional-EUA, Destino também foi indicado para o Oscar da categoria de curta-metragens de animação.


Paisagem típica da obra de Dali, com o uso e abuso da perspectiva, objetos flutuantes ancorados e paredes ocas.

Maiores detalhes da histórica produção de Destino em [Animation-Animagic.Com]

Chegou a Primavera, tempo de exultar... ou chorar.

No dia 23 de Setembro de 2009 o sol ilumina de maneira igual os dois hemisférios do planeta Terra. É chegado o evento astronômico do Equinócio, que marca um dos dois dias do ano onde noite e dia tem durações iguais – que marca o balanceamento perfeito entre a bem-aventurança e a desgraça.

A maneira como as conjunções planetárias afetam o coração dos homens depende do seu conteúdo. “A quem tem, lhe será dado”, portanto, o vazio será mais vazio e sobejante transbordará. Quem caminha nas manhãs perfumadas ao longo das alamedas fecundadas de polem e algazarras da passarinhada, pode colher o bendito fruto ou rechaçar as emanações da natureza profícua.

Tudo depende do tipo de matéria prima que cada um carrega no seu coração, já que qualquer coisa lá existente fecundará, para o bem... ou o mal.

A arte exprime melhor a ambiguidade latente da mais libidinosa das estações, mais precisamente a música para o balé “A Sagração da Primavera” de Igor Stravinsky, que é a representação de um ritual pagão de vida e morte.

A segunda parte, denominada “O Sacrifício”, ambienta musicalmente o ritual bárbaro da imolação de uma virgem. Repleta de harmonias profanas e avassaladoras, Stravinsky reproduz em música o que os odores primaveris nos provocarão ao longo dessa estação, que paradoxalmente tanto poderão estimular paixões, quanto ódios adormecidos.

O poder despertado no Equinócio primaveril não pode ser contido, pois uma vez liberado, se espalha por toda a terra abrasando e desestabilizando. Assista o Sacrifício de “O Rito da Primavera” (Le sacre du printemps) de Igor Stravinsky e depois não me acuse de não ter avisado!


Informações programáticas sobre a "Sagração da Primavera" [O Canto da Filosofia]

Foto 1: Montagem em foto publicada em [фото на fotokritik.ru]
Foto 2: Montagem em foto do Monumento aos Judeus em Berlim de [pricher]

Quer uma sugestão de tatuagem? Escher dá no couro!

Quem quer fazer uma tatuagem e não tem ideia do que estampar, a pedida Blogpaediana se chama Maurits Cornelis Escher, o artista holandês que foi um dos maiores expoentes da gravura de todos os tempos e cuja obra ousou brincar com o espaço bidimensional.

Nenhum tema e nenhum objeto preocupou tanto Escher quanto a divisão cíclica de superfícies, porém ele nunca imaginou as mídias futuras onde suas obras repousariam. O que teria pensado o artista se soubesse que seus desenhos seriam reproduzidos em corpos humanos, volumes essencialmente tridimensionais? O sucesso das múltiplas aplicações da obra de Escher mostra o alcance ilimitado das suas criações.

Para ilustrar este artigo, selecionei excelentes Tattoos que representam três da várias fases do artista:

Divisão Regular da Superfície.
Ar e Água – 1938.

Répteis – 1943.

Reflexões.
Mão com Esfera Refletora – 1935.

Círculos e Espirais no Espaço.
Rind – 1955.

Laço de Moebius – 1963.

Comparando-se as tatuagens e os originais, percebe-se o quanto uma superfície tridimensional valoriza as gravuras do mestre, que as concebeu para os estritos limites da bidimensionalidade.

Diante do sucesso da reprodução da obra escheriana preenchendo espaços em corpos humanos, conclui-se que o azo do holandês não se restringe a Móveis, pinturas de casas, e brinquedos, já que as suas figuras impossíveis conhecem apenas os limites impostos pela imaginação. Definitivamente, Escher se dá bem no mundo real.

Informações sobre as gravuras de Maurits Cornelis Escher [Universidade de Lisboa]

Créditos das fotos:
Mão com Esfera Refletora [jriggs].
Relatividade [pricher].
Ar e Água [loupiote (Old Skool].
Rind [Rate My Ynk].

Instalação de Arte de Nu no Metrô de Nova Iorque.

“Eis a prova definitiva de que Nova Iorque é uma cidade nua” é o título um tanto quanto sensacionalista que o New York Post escolheu para qualificar a instalação nudista feita pelo fotógrafo Zach Hymann, feita em meio aos apáticos novaiorquinos.
Ora, é sabido que a Big Apple é famosa no mundo por permitir o Topless feminino nas suas ruas, então não é de estranhar que um fotógrafo promova streaps teases públicos, com direito a pole dance nas barras verticais de apoio do trem.

A performance da atriz Jocely Sandana de 19 anos, durou exatamente 30 segundos,
tempo suficiente para que o fotógrafo obtivesse 10 fotos em cada sessão. A reação da maioria dos passageiros, como é praxe em Nova Iorque, foi de atitude blasé, indiferença, exceto por uma mulher que começou a gritar e um idoso que começou a tremer.

O fotógrafo diz que retratar mulheres nuas em público é muito mais fácil do que homens, já que as pessoas tendem a recepcionar a nudez feminina com sorrisos, assobios e até aplausos, ao passo que geralmente se chocam diante da visão do pênis.

A epopéia de Zach nos trens pode nos levar a refletir sobre as utilidades da arte. E uma delas é chocar os espectadores, que durante a súbita ação são arrancados das suas rotinas cinzentas por um acontecimento que provavelmente jamais se repita nas suas vidas. Uma bela jovem deixa cair o seu robe em meio aos passageiros atônitos/anônimos e lhes confere instantes vertiginosos de individualização.
Hymann apresentará o resultado do seu trabalho numa exposição de fotografias na Galeria Maiden, onde reúnirá uma seleção das 14 melhores poses. Mesmo que a proposta tenha sido extremamente singela, o fotógrafo conseguiu mobilizar uma boa mídia em torno do seu projeto, certamente por ter usado como matéria prima o produto mais vendável já inventado até hoje: a nudez feminina.

Isto pode ser chamado de Arte ou Pornografia? Tudo depende do ponto de vista de quem estava sentado naqueles duros bancos do metrô, se a vivência serviu para aliviar o sufoco do dia-a-dia da cidade grande, é Arte, se provocou sentimento de repulsa, é pornografia. Acostume-se babe à era da Arte Funcional.

Fonte:
Here's proof Nude York is the naked city [New York Post]

Decadência dos monumentos soviéticos.

O realismo socialista é uma corrente estética cujo propósito é transplantar os ideais do socialismo ao terreno da arte. Tal tendência foi predominante ao longo de grande parte da história da União das Repúblicas Socialistas Soviéticas – URSS. Suas origens remontam ao governo de Stalin e imperou nos países anexados pelo império comunista. Este tipo de realismo foi instaurado como reação ao estilo burguês ocidental, considerado decadente, e converteu-se em política oficial de Estado em 1932.

O realismo socialista tem suas raízes no neoclassicismo e nas tradições realistas da literatura russa do século XIX, que retrata a vida simples do povo, cujo maior expoente foi o escritor Máximo Gorki. O pressuposto teórico deste movimento sustenta que o verdadeiro sentido da arte é de descrever e exaltar a luta do proletariado em seu caminho ao progresso socialista. Para tanto, o artista deve ter a veracidade como norte e se valer da representação concreta da realidade ao retratar a dialética revolucionária em ação.

O objetivo principal desta nova arte de caráter funcional era exaltar o trabalhador comum, sua vida, seu trabalho e diversão como coisas admiráveis, ou seja, ela foi concebida para educar o povo sobre a nobre significação do socialismo. Por incrível que pareça, o objetivo dos primeiros ideólogos da revolução russa era criar, como denominou Lenin, “um tipo de ser humano totalmente novo, o Novo Homem Soviético”.

O resultado destes pressupostos teóricos aplicado no concretismo das ruas e praças tomou forma através de obras caracteristicamente pesadonas e marcadas por uma estilização padronizada. Após a queda do Império Soviético em 1991, todos os ex-países comunistas se lançaram numa cruzada contra os vestígios da dominação russa, o que redundou na destruição de quase todos os monumentos públicos.

Sorte nossa que alguns deles foram preservados e azar nosso que a maioria das obras remanescentes esteja entregue à decadência, ao vandalismo e ao descaso dos gestores públicos.

Ucrânia.
O fotógrafo se pergunta: como deixaram em pé monumentos como este?

[Wong]

Minsk, Bielorrússia.
O gigantesco frontispício de um Shopping da capital da Bielorrússia é um dos exemplos mais significativos do estilo realista socialista.

[Comtourist]

Veliko Tarnovo, Bulgária.
Impressionante monumento soviético abandonado em forma de disco-voador de concreto no pico de Buzludzha, nos arredores da pequena cidade de Veliko Tarkonovo, na área central da Bulgária.

[artificalowl]

Georgia.
Ironicamente, este é um monumento construído pelos Soviéticos para celebrar a amizade entre georgianos e russos. O estado de decadência denuncia a atual beligerância entre os dois países.

[Stefan G.]

Lenin Arrombado em São Petersburgo, Rússia.
Os dias de 1º de abril costumam um tanto explosivos em São Petersburgo. Um grupo de jovens vândalos resolveu comemorá-lo colocando 300 gramas de dinamite na bunda da estátua de Lenin e o resultado foi um misto de comédia e tragédia pela destruição de uma obra pública.

[English Russia]

Gruto Parkas, Lituânia.
Quando a Lituânia alcançou a sua independência em 1991, muitas esculturas como esta foram imediatamente destruídas no bojo do fervor patriótico, mas um grande número de monumentos localizados em áreas mais remotas foram preservados. Hoje elas se tornaram atrações turísticas e se pode dizer que a antiga presença soviética além de não ser mais incômoda, rende alguns trocados.

[JeremyHildreth]

Minsk, Bielorússia.
Monumento em homenagem aos soviéticos mortos na invasão do Afeganistão (1979-1989).

[Comtourist]

Berlim, Alemanha.
Constatei pessoalmente a decadência da herança Soviética na antiga Berlim Oriental. Emoldurados pelo primeiro plano realizado em baixo-relevo em concreto, o conjunto de edifícios russos está sendo demolido.

Fotógrafo: Isaias Malta.

Referências:
Monumentos Soviéticos [Blog de Blogazos]
Começa a Desintegração do Império [Atica Educacional]
TOP 10 monumentos mais feios do mundo [Blogpaedia]
Algumas cidades que transformaram Foguetes em Monumentos Públicos [Blogpaedia]

João Bez Batti, o menino que ouve pedras de basalto.

Para quem não conhece quem é este escultor, deve ler a crônica de Milton Ribeiro1 sobre um convívio fortuito por uma semana e descobrir que por trás da pedra bate um coração humano.

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Atualmente Bez Batti não mora mais no antigo ateliê referido pelo Milton, ele se mudou para outro local mais alto e ensolarado, uma vez que o próprio João resmungava que “não passaria outro inverno naquele buraco”.

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Não fui conhecer ainda o novo ateliê, cuja mudança aconteceu ao longo deste ano, afinal, transportar pedras que pesam toneladas não é assunto para ser resolvido num domingo.
Pois bem, ainda na bifurcação da estrada que dava para o antigo atelier de Bez Batti, ressaltava aos olhos do visitante o monólito instalado no canteiro. Não sei se ele ainda está lá, mas seria uma péssima consideração com o público retirá-lo pura e simplesmente e nos privar de um pouco de arte, que surge no meio do nada rural, palmilhado de parreiras e lugares bucólicos em plenos Caminhos de Pedra2. (Bento Gonçalves - Rio Grande do Sul - Brasil)

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O escultor trabalha com o basalto, uma das rochas mais duras do planeta e, para quem resolve enfrentá-las, há que ter tenacidade e paciência. É o que não falta à João Bez Batti, um sujeitinho troncudo e mal encarado, que te olha de soslaio e desperta receio à primeira vista.
É que ele trabalha com o tempo da pedra, um tempo que só ele e elas entendem. Normalmente os visitantes chegam a jato e saem voando, sem dar o tempo necessário para que o João e as pedras possam se interessar por eles.

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O pacto que João fez com as pedras o obriga a moldá-las em caprichosas formas, às vezes cabeças, às vezes abstratas, mas, todas alegres tinindo em polimento caprichado.

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Quando visito o ateliê, gosto de captar um pouco aquele outro tempo mais pachorrento que se arrasta dia após dia sob o cinzelar incessante das mesmas superfícies endurecidas. E também gosto de contemplar o efeito meditabundo que aquelas obras todas induzem na humanidade apressada.

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Vê-se uma visitante, a esposa de Bez Batti e a sua filha, numa prova de que o escultor semeou outras coisas em sua vida, além de fecundar a pedra bruta.

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E o rebento do rebento pode ser visto aqui já desde pequeno dialogando com as filhas do avô, portanto, suas tias.

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João Bez Batti não estava lá neste dia, já que ele se encontrava no novo local para montar a nova oficina de pedras e preparando o terreno para a chegada das suas filhas basálticas. Porém, a falta do criador em nada diminuiu o brilho da nossa visita, já que no antigo ateliê estava a menina dos olhos do artista, ou melhor, o menino-neto do seu coração, que foi como se tivéssemos visto o melhor do João, um João que escuta as pedras e as faz realizar a plenitude das suas vaidades.

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É uma pena que o antigo ateliê tenha ficado para trás no tempo, mas o pequeno tempo em que João lá esteve dificilmente será esquecido pelas pedras lá residentes.

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Certamente ele não conseguirá carregar todas as suas criações, assim, várias rochas trabalhadas ficarão fazendo companhia àquelas que ansiavam se entregar às mãos do João e as consolarão dizendo que a eternidade é uma criança e que muitos joões aparecerão dispostos a escutá-las e a burilá-las.

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A minha saída foi assaz melancólica, devido à certeza de que um ciclo se encerrava e de que somos demasiadamente apressados diante do tempo basáltico imemorável.

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Passaram-se meses desde a minha última estada e posso assegurar que estou com uma saudade de pedra, melhor, do João das pedras, que espero já esteja alegrando as felizardas habitantes do seu novo local de trabalho.

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A última recordação a me ficar na memória foi um enquadramento de janela, que mesmo em plena entrada de inverno, recepcionava os viajantes com flores sempre-vivas.

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Referências:
(1) João Bez Batti por Milton Ribeiro.
(2) Caminhos de Pedra.